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miércoles, 20 de marzo de 2013

La música y los adolescentes.


INFLUENCIA DE LA MÚSICA Y DE LOS VIDEOCLIPS

EN LA CONDUCTA DE ADOLESCENTES

La música es uno de los elementos principales en la formación de la cultura, ha influido en costumbres y emociones de los individuos. Durante la historia la música ha sufrido grandes cambios, se paso por la música clásica, disco hasta llegar a la actual, cada época ha tenido un estilo musical que la represente.
Los adolescentes por lo general entre 13 y 17 años son los influenciados por los nuevos estilos musicales, se unen en grupos en los cuales el elemento de unión, es la música, las creencias se generan a partir de ella que es la que determina la forma de vestirse, de peinarse, de moverse, la forma de hablar.
En un mundo que tiende a la homogeneidad extrema, la música parece ser la última salida donde mostrar una diferencia. Ser original, independiente o rebelde, e ir contra la corriente. La música une a individuos de puntos muy diferentes de la sociedad.
La música actual se caracteriza por tener cada día más mensajes violentos, sexuales y promiscuos que son escuchados por los jóvenes.
La integración de las personas a los grupos o sociedades se realiza por medio de la socialización.
Esta serie de diversidad de sociedades, grupos y culturas junto con la singularidad de las personas originan una serie de diferencias en el proceso de socialización y control social, estos no pueden lograr una homogeneidad total en la conformidad de las personas con valores, modelos, pautas, normas o reglas de comportamiento social.
Han existido personas y grupos que se aíslan, apartan, rechazan o violan las normas del comportamiento social, no se adaptan a tales normas, produciendo una desviación la cuál en la medida que tiende a generalizarse produce la no-aceptación de normas
La música es un elemento cultural muy adoptado por las nuevas generaciones, debido al contenido violento y degenerador que contiene, tanto en la música, y a veces en las letras, y como una manera de expresar sentimientos de rebeldía, rabia y tristeza en el joven.




CONCLUSIÓN: Cada individuo al nacer forma parte de una sociedad, interactúa con esta y se integra adoptando costumbres, normas, etc. La adolescencia se caracteriza por ser una de las etapas mas conflictivas en los individuos debido a que nos encontramos en un tiempo de transición y de cambios, pasamos de ser niños a ser adultos, e inconscientemente adoptamos comportamientos o nos revelamos ante nuestros padres, o ante mayores (autoridades del colegio, profesores) buscamos ser independientes e ir contra la corriente.
La música es utilizada por los adolescentes como una salida a sus problemas, una manera de expresar lo que sienten, se sienten identificados con ciertos tipos de música, se unen en grupos que escuchan los mismos ritmos, a su vez la música también les marca como vestirse, como hablar y otras conductas.
La música actualmente se caracteriza por ser violenta y tener mensajes sexuales, pero muchos de estos jóvenes se sienten identificados y siguen este modelo musical.

Influencia de la música en los adolescentes


¿Cómo les afecta?
1. Letras de las canciones.
Los adolescentes acuden a la música con docenas de preguntas, una mente abierta y un discernimiento limitado y
poco desarrollado. Son como esponjas, que absorben por sus poros cualquier cosa, sin cuestionar su composición o el
efecto que pueda tener en ellos.
2. Imágenes visuales.
Los vídeos no sólo han disminuido el uso de la imaginación y creado una generación de espectadores pasivos, sino que
también han aumentado la habilidad de la música para moldear a nuestros hijos.
3. Estilo de vida de los artistas.
En los conciertos promueven el comportamiento obsceno con sexo simulado, pornografía, etc. Esta es una frase de
Bruce Springsteen en una de sus canciones, “Born in the USA”: “Salimos de la clase/ teníamos que
alejarnos de aquellos locos./ Aprendíamos más en un disco de tres minutos/ de los que jamás podríamos aprender en
la escuela”.
4. Canales de música en TV.
Dice uno de sus fundadores: “Estamos tratando con una cultura de bebés televisivos, pueden mirar la TV,
escuchar música y hacer los deberes todo a la vez. La mayor atracción que podemos ofrecer es emocional. Si puedes
hacer que sus emociones se pongan en marcha, que olviden su lógica, ya los tienes. En MTV no intentamos cazar a los
adolescentes, los poseemos. Las únicas personas que pueden entender cómo usar el aparato de TV son los que han
crecido con él. Aceptarán cualquier cosa que aparezca en la pantalla


Principales Temas:

Promiscuidad sexual
Su filosofía es: “Puedes hacer lo que quieras, con quien quieras, cuando quieras, donde quieras y de la forma que
quieras”. El interés de nuestros hijos por la música aumenta al mismo tiempo en que sus hormonas se disparan.
Demasiado a menudo su curiosidad y sinceridad es contestada por la voz de la música, que les enseña que el placer
sexual es un fin por sí mismo. En otros casos la música “ministra” a jóvenes perdidos en su soledad debida
a un hambre por relacionarse causada por al ausencia o la indiferencia de los padres. Los mensajes sexuales de la
música de hoy conducen a muchos a buscar el amor y las relaciones por el camino de la intimidad sexual. Tristemente
suele ser la música dance, blues y rap la que más difunde este mensaje. En las relaciones románticas, la música de
hoy suele enfatizar los aspectos físicos por encima de los emocionales. La industria de la música insiste que no están
educando a los jóvenes, sino sólo reflejando los valores sexuales de la mayoría. En realidad hacen ambas cosas.
Perversión sexual.
Con la creciente aceptación de homosexualidad, lesbianismo y bisexualidad no es de extrañar que estos temas son cada
vez más populares en la música. Cualquier cosa vale.
Violencia.
Aparece en numerosos vídeos musicales. Hay una conexión entre la violencia televisiva y un subsiguiente
comportamiento agresivo. Los que ven una excesiva cantidad de violencia televisiva tienden a considerar el mundo
como malvado y hostil. Los padres deben vigilar el tipo de música que enseña que la violencia es una forma legítima de
tratar la ira justificada o injustificada.

Violencia sexual.

Cada vez más la música que describe una relación amorosa usa términos que nada tienen que ver con amor tierno o
romance. Combinando promiscuidad sexual con violencia, alguna música promueve comportamientos que reducen el
valor de la persona a menos que nada.
Abuso de drogas.
Los estilos de vida, letras, vídeos y comentarios de los cantantes constantemente glorifica el abuso de drogas y alcohol.
Principalmente el heavy-metal y el rap.
Ocultismo.
Muchos de los grupos que lo usan en sus letras dicen que no lo usan para denotar rebelión contra Dios sino como
expresión de poder juvenil y rebelión contra la autoridad. Dicen que no es satanismo sino un énfasis que fluye del deseo
romántico de ver a Satanás como alguien que escapó con éxito de las limitaciones sociales y culturales. Pero aunque
éstas sean las motivaciones, el resultado será el mismo, ya que los jóvenes tomarán el mensaje por lo que dice.
Preocupación política y social. 
Grupos utilizados en campañas electorales.
Rebelión.
Los adolescentes tienen una tendencia natural a rebelarse. Son inclinados hacia la música que se enfrenta a cualquiera
que esté en autoridad.
La verdad es relativa
Al negar la existencia de Dios y de un orden moral establecido, los artistas se elevan a sí mismos a la posición de
creadores de la verdad. La música moderna enseña a los jóvenes que la verdad sólo se puede encontrar dentro de uno
mismo. Buscarla en otro sitio quiere decir no ser fiel a uno mismo. Esta amoralidad es peor que la inmoralidad. Con la
inmoralidad había unos valores a los que se podía apelar para traer de nuevo al extraviado, pero con la amoralidad nadie
reconoce la existencia de ningún principio.
Familia.
Mucha de la música actual expresa la desesperanza en la función familiar.etc...



PRINCIPALES ESTILOS MUSICALES:

Rock , pop , dance , musica clasica, tecno , country , entre otros..


martes, 19 de marzo de 2013

La Música Antigua

Teorías acerca de la música:



    Pensadores, filósofos y musicologos han formulado desde hace ya mucho tiempo diferentes teorías acerca del origen de la música.
Democrito filosofo griego del sigo XV a.C. decía que el canto de los hombres tenía su origen en la imitación del canto de los pajaros.
El filosofo alemán Karl Stumpf, autor del libro "El Origen de la Música", afirma que está como el lenguaje, se originó en ka necesidad de emitir señales sonoras.
Karl Bücher, sociólogo alemán, llegó a la conclusión de que todo ejercicio corporal tiende a constituirse ritmicamente y que el trabajo de los hombres primitivos pudo haber inspirado la música.
En nuestro país el maestro Carlos Vegas - fallecido hace unos años - sostenía la teoría de que los movimientos de lanza regularizados, originaban un jadeo, este jadeo cobra sonoridad.


Música en Israel:      


  No existe documento alguno que permita determinar cuales fueron los elementos de que constaba la cantilación hebrea, es decir el canto de los salmos de la música judía. Los escritos bíblicos y las obras de Filon de alejandría del historiador Josejo nos proporcionan datos para saber que la música fue tenida en muy alta entre los hebreos.
10 siglos antes de la era Cristiana de los reyes David y Salomón organizaron manifestaciones corales verdaderamente sorprendentes y en el relato bíblico se atribuye a la caída de los muros de aquella antigua ciudad de Palestina, al noreste de Jerusalén llamado Jericó a la potencia de las trompetas de los sacerdotes de Israel.
Para manifestar sus diferentes estados anímicos los hebreos utilizaron variadas formas musicales, entre ellas los cantos de guerra, las lamentaciones (entre estas las famosas lamentaciones de Jeremías) los salmos (fundamentalmente los de David) los canticos de Bendinia y canciones profanadas de sus sentimientos con las cosas terrenales.


Instrumentos:


     Cuerdas:

  • Kinnor: arpa de cuerdas llamada El Arpa de David. Se atribuye  a su invención a Jubal, quien según el relato bíblico creó la música en Israel.
  • Nebel: Salterio de 13 cuerdas
  • Citaras: salterio de 7 cuerdas
  • Liras: salterio de 6 cuerdas.

    Percusión:

  • Cicele: castañuelas
  • Cimbalos: especie de tambor utilizado en la danza
  • Tof


    Viento:

  • Schofer: cuerno de carnero, símbolo de la fuerza divina, utilizado en nuestros días en las ceremonías religiosas judías.
  • Halil: flauta simple
  • Ugato: flauta simple


Música en Egipto





           Dijimos en párrafos anteriores que no habían testimonios escritos acerca de como fue la cantilación hebrea.
Tampoco existen documentos que nos permitan conocer partes musicales egipcias.
Lo único que ha llegado a nosotros son testimonios literarios, bajo relieves y pinturas halladas en sus templos.
Los egipcios practicaron música desde 5.000 a.C..Los sacerdotes tenían su monopolio y la dedicaban al culto de sus dioses entre ellos Iris, personificación de la luna, diosa de la medicina y la agricultura; Horus representado como gavilán, personificación de sol naciente y a Osiris, esposo de Iris y padre de Horus personificación del sol con todo su poderío.
En bajos relieves del antiguo imperio -3500 a - 3000 a.C. aparecen figuras de artistas,flautistas y cantantes.
En algunas tumbas faragónicas del imperio medio -3000 a -1600 a.C. se encontraron instrumentos  admirablemente conservados como el Triconon (arpas) y flautas de otros tipos.
Los cantantes se varian de un procedimiento llamado Cheironomía, que servía para indicar con movimientos de la mano la marcha de la melodía.
      Los instrumentos más utilizados fueron:
Viento:
  • Mem: flauta de 5 agujeros y se toca de frente.
  • Oboes.
  • Trompas.
  • Trompetas.
Cuerdas:
  • Trigonon: arpa de forma triangular.
  • Liras.
  • Citaras.
Percusión:
  • Crotalos: variedad de castañuelas.
  • Sistro: especie de sonaja.
  • Tambores: de diversas formas.
Es Importante señalar que posiblemente que los griegos puedan haber aprendido música de los egipcios. Esta hipótesis se sostiene por la fábula del aprendizaje de Orfeo en Egipto y por la creencia de que Pitágoras, el celebre matemático griego, estudió música en los dominios de los faraones.
Cabe la gloria de los egipcios de haber tenido entre sus hijos a un matemático y mecánico que construyó el 1° organo que reconoce la historia de la música. Se llamó Tsibios de Alejandría y el instrumento fue concebido, aproximadamente entre los siglos III y II a.C. .
En el museo de Berlín hay una Terracota egipcia pero representa. Se trata de un organo muy rudimentario de tipo hidráulico en el que se ejercía la presión del aire por medio de un deposito de agua con la posterioridad de los romanos utilizaron un instrumento semejante aún sufrió considerables reformas y modificaciones. Parece que el mismo Nerón se complacía en tocar.










La Orquesta Sinfónica


          La Orquesta Sinfónica es la agrupación con mayor número de instrumentistas. En sus orígenes estaban compuestas por instrumentos de cuerda y algunos de viento-madera y viento-metal, con el tiempo estos fueron aumentando en cantidad y variedad incorporandoce también los instrumentos de percusión.
La colocación de estos instrumentos en el escenario tienen como objetivo conseguir el equilibrio tímbrico y sonoro.
Los instrumentos están agrupados por familias, situandoce los de mayor potencia más alejado del público. A demás se busca el contraste entre instrumentos, algunos a la izquierda y timbales a la derecha.
Las familias que forman las orquestas son las siguientes:
  • Cuerda: sección formada por violines, violas, violonchelos y contrabajos.
En ocasiones aparecen como solistas otros instrumentos de cuerda, como el piano, arpa o guitarra.
  • Viento-madera: formada por flautas traversas, oboes, clarinetes y fagotes.
  • Viento-metal: trompetas, trompas (corno), trombones y tubas.
  • Percusión: sección formada por timbales, xilófonos, malimbas, campanas tubulares, bombo, platillos, maracas, etc.
Es muy importante la figura del Director que se encarga de coordinar y dirigir a todos los instrumentistas, el Director tiene en su cabeza como ha de sonar la partitura y debe conseguir que su instrumento, la orquesta, la interprete de esa manera que el Director elija interpretar. Por ello un Director de orquesta debe tener una amplia cultura musical y conocer las posibilidades técnicas y expresivas de cada instrumento, su misión también la de controlar la afinación conjunto de dar la entrada a los instrumentos, marcar el tiempo e indicar el carácter de la música, etc. 
En su mano derecha suele llevar la batuta y con la mano izquierda indica los matices y la expresión de la obra. 
Antiguamente solían dirigir tocando simultáneamente un instrumento (el violín).
En la actualidad, el Director se sitúa en el centro frente toda la orquesta y da la espalda al público sobre un pequeño estrado (tarima de madera), de forma que sean vistas sus indicaciones por todos los músicos de la orquesta.
En la actualidad el 1° violín se denomina conccertino y es la persona que sustituye al Director cuando este falta. Tiene entre sus funciones la de tocar la nota "LA"  con su instrumento antes de empezar un concierto para que toda la orquesta afine en dicha nota.
Entre los grandes directores del siglo XX podemos destacar a Herbert Von Karajan, Leonard Bernstein, Claudio Abbado, Daniel Baremboim.















Agrupaciones de la Música de Cámara


Se denomina así a diversos tipos de agrupaciones con un reducido número de instrumentistas, recibe este nombre en función de números de instrumentos que lo componen: dúos, tríos, cuartetos, quintetos, etc.
Por su gran importancia en el desarrollo de la música, cabe destacar el cuarteto de cuerdas, formados por 2 violines, 1 viola y un violonchelo.






Música: Música durante la infancia


Los beneficios de la música para los niños

La música está siendo introducida en la educación de los niños en edades preescolares debido a la importancia que representa en su desarrollo intelectual, auditivo, sensorial, del habla y motriz. La música es un elemento fundamental en esta primera etapa del sistema educativo. El niño empieza a expresarse de otra manera y es capaz de integrarse activamente en la sociedad, porque la música le ayuda a lograr autonomía en sus actividades habituales, asumir el cuidado de sí mismo y del entorno, y ampliar su mundo de relaciones.

La música tiene el don de acercar a las personas. El niño que vive en contacto con la música aprende a convivir de mejor manera con otros niños, estableciendo una comunicación más armoniosa. A esta edad la música les encanta. Les da seguridad emocional, confianza, porque se sienten comprendidos al compartir canciones, e inmersos en un clima de ayuda, colaboración y respeto mutuo.

La etapa de la alfabetización del niño se ve más estimulada con la música. A través de las canciones infantiles, en las que las sílabas son rimadas y repetitivas, y acompañadas de gestos que se hacen al cantar, el niño mejora su forma de hablar y de entender el significado de cada palabra. Y así, se alfabetizará de una forma más rápida. La música también es beneficiosa para el niño cuanto al poder de concentración, además de mejorar su capacidad de aprendizaje en matemáticas. La música es pura matemática. Además, facilita a los niños el aprendizaje de otros idiomas, potenciando su memoria.

Con la música, la expresión corporal del niño se ve más estimulada. Utilizan nuevos recursos al adaptar su movimiento corporal a los ritmos de diferentes obras, contribuyendo de esta forma a la potenciación del control rítmico de su cuerpo. A través de la música, el niño puede mejorar su coordinación y combinar una serie de conductas.

FUENTE: http://www.guiainfantil.com/servicios/musica/beneficios.htm

Mozart, el asperger y la musica



Magia y talento que cambió para siempre la historia de la música. Estandarte del clasicismo, a cuya sombra se encontraban grandes maestros como Ludwing Van Beethoven o Joseph Haydn. Un talento inigualable que sigue siendo una fuente inspiración en pleno siglo XXI. Con toda probabilidad, el músico más influyente e importante. Hablamos de Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, más conocido cómo Mozart. Nacido en Salzburgo (Austria) en 1756, desde niño mostró un gran talento con el piano y el violín. Su padre Leopold Mozart, fue el segundo maestro de capilla de la corte del arzobispo de Salzburgo y primera fuente de inspiración del joven Mozart. Con sólo cinco años componía partituras que eran del agrado de la aristocracia austriaca. Con diecisiete años fue contratado cómo músico en la corte de Salzburgo. Puesto que ocupó en un tiempo breve, ya que su carácter innovador y su deseo de ascender provocaron su expulsión. Tras su despido se instaló en Viena en 1781, donde vivió sus mejores momentos y alcanzó la fama. Una fama que se convirtió en gloria pese que en gran parte de su vida vivió con graves problemas económicos.
La obra de Mozart abarcó numerosos géneros con más de seiscientas creaciones (recopiladas por Ludwing Van Kochel en 1862, con un conjunto de 626 Opus) de música sinfónica, concertante, para piano, operística, de cámara y coral. Creaciones que alcanzaron una gran repercusión en la nobleza europea. La música de Wolfang Amade Mozart (así firmaba sus obras) contrastó con una vida bastante dramática. Con una búsqueda de autonomía e independencia y con agudos problemas financieros. La parte final de su vida fue la más fructífera en lo musical. Sus mejores y más reconocidas composiciones fueron creadas en su último año de vida. Durante la creación de su Requiem, falleció en extrañas circunstancias dejando su última obra incompleta. Ocurrió el 5 de diciembre de 1791 a la temprana edad de 35 años. Mucho se especuló sobre la causa: triquinosis, envenenamiento, o la más plausible, fiebre reumatoide aguda.
Mozart, tuvo que convivir con el estigma de ser un niño prodigio toda su vida. Algo que influyo en una personalidad fuerte, egocéntrica y vanidosa. Era un hombre enérgico que vivió por y para la música. Compartió una encarnizada rivalidad (que abarcó desde el plagio hasta el posible asesinato de Mozart) con Antonio Salieri (1750-1825). Y ejerció una gran influencia en la música de la época y siglos venideros. Beethoven (algunos rumores infundados hablaban de enemistad) catorce años más joven, siempre se sintió admirado y atraído por las melodías del maestro de Salzburgo.
Teorías posteriores, tratan la hipótesis de que Mozart padecía el síndrome de Asperger, trastorno neuromental con rasgos autistas, relacionado íntimamente con la superdotación intelectual. Wolfang Amadeus Mozart, estuvo siempre acompañado por una obsesión por la creación y la perfección, que en ocasiones lo apartó de la realidad. Una vida llena de vicisitudes que nos dejó un legado maravilloso que tiene cómo recompensa la eternidad. Múltiples obras literarias y musicales han homenajeado la figura del músico austriaco. El celuloide no es menos y aporta una rica filmografía sobre la vida y obra de unos de los mayores exponentes del arte de todos los tiempos. Comenzamos un recorrido cronológico que se inicia en 1921.
El psicólogo y lingüista peruano Ernesto Reaño Carranza es un especialista en el tema. Es fundador y director de EITA (Equipo de Investigación y Tratamiento en Asperger y Autismo) desde el año 2009. Se especializa en el estudio del desarrollo del lenguaje en el niño y en el tratamiento de los desórdenes del lenguaje en el espectro autista. Es licenciado en Psicología Clínica por la Pontificia Universidad Católica del Perú, así como magíster en Ciencias del Lenguaje por la Université Sorbonne-Nouvelle París III. Hizo una especialización doctoral en la Universidad Autónoma de Madrid y es candidato al título de Doctor en Psicolingüística por la Université de Limoges, en Francia. Asimismo, es catedrático de las universidades nacionales Marcelino Champagnat y Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas. Con él conversamos a profundidad sobre el complejo síndrome de Asperger. Porque es posible que usted viva junto a una persona con esta particular condición de vida y aún no lo sepa. 

¿Cómo definimos el Asperger? Si bien hay varios términos, ¿cuál es el más indicado para definirlo: un trastorno, un síndrome, una enfermedad, una discapacidad o simplemente una condición de vida distinta? 
Yo creo que, básicamente, es una condición de vida. No es una enfermedad ni un trastorno porque uno nace y muere con ello. Y no es que algo en el camino se transformó o dejó de funcionar. El Asperger es una forma de autismo leve y, como todas las formas de autismo, significa que el cerebro está cableado de manera diferente y estas personas perciben el mundo y la realidad de manera distinta. Ni mejor ni peor: distinta. Por eso hablamos, básicamente, de una condición. 

¿Puede haber una persona que tenga Asperger durante toda su vida y no se dé cuenta? 
Es probable. Me ha tocado, por ejemplo, diagnosticar personas con cuarenta, cincuenta años que son, de alguna manera, sobrevivientes. Porque una persona con síndrome de Asperger, si bien es cierto que no va a tener muchos problemas en los lados cognitivos -posiblemente vaya a la universidad, vaya a terminar carreras-, tiene problemas en la comprensión de las normas sociales y en la empatía. Pueden acabar una carrera universitaria, después no encuentran trabajo, se pelean con las personas o son vistos como personas excéntricas o raras. Y, algunos, son vistos así hasta el final de sus días: como la persona excéntrica, huraña. Hasta que por ahí, de alguna manera, alguien se entera sobre el síndrome de Asperger y decide hacerse un descarte. 

MUSICA


               MUSICA 

Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.

La música es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
  El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.).

PARAMETROS DEL SONIDO
La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los« silencios.
El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio que los envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza.
El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

  •  La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios(Hz) que se emiten. De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como "graves" y "agudos". Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante.
  • La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda por los segundos que ésta contenga.
  •  La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
  •   El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad.
ELEMENTOS DE LA MUSICA
La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción) nos da los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).

  •  La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina contrapunto.
  • La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.
  • La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas ocasiones irregulares, de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.
  • El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos.
  • Otros parámetros de la música son: la forma musical, la textura musical y la instrumentación.
Son los elementos en los que se plasma el ritmo. El pulso es la unidad acentual básica de una pieza. Esta unidad se concreta en la medida, que es la forma en que se distribuyen los pulsos dentro de un pieza determinada. Esta distribución da importancia diferente a los pulsos, estableciendo una diferencia entre pulsos fuertes y pulsos débiles y creando el esquema rítmico de la pieza, que es lo que se conoce como compás. El compás se indica al comienzo de una pieza y cada vez que, en su transcurso, cambia la medida. La forma de indicarlo es un quebrado cuyo numerador indica el número de pulsos por compás y el denominador la nota que vale un compás completo.

Grafía musical

El método habitual para recordar y transmitir la música es oral; la mayor parte de la música del mundo se aprende de oído. La mayor parte de la música popular, especialmente la de culturas no occidentales, se compone en la mente del compositor y se transmite y memoriza oralmente. 
Por su parte, el sistema occidental ha desarrollado, en cambio, un complejo sistema de la notación que indica principalmente el movimiento del sonido y el tiempo que éste dura, con una capacidad limitada para regular otros elementos más sutiles, como el timbre. Con todo, permite transcribir un mayor número de elementos que el resto de los sistemas de grafía musical. Precisamente ha sido tal detallismo el que ha permitido el mayor desarrollo armónico de la música occidental y, en general, una mayor libertad creativa, pues el intérprete precisa mantener menos datos en la memoria que en otros sistemas.
Para la expresión gráfica de los sonidos, la música emplea el pentagrama, estructura de cinco líneas que precisa la altura de la nota a cuyo principio se coloca una clave que indica el nombre que toman las notas en el pentagrama.

Pentagrama y líneas adicionales.
Las notas que se colocan en este pentagrama indican con precisión tanto su altura como su duración. Lo habitual es que aparezcan agrupadas en compases que se indican mediante un quebrado que se sitúa a la derecha de la clave.

En la actualidad, según su altura, las notas tienen los siguientes nombres: do, re, mi, fa, sol, la,si. Las alteraciones de los sonidos se nombran añadiendo las palabras sostenido (semitono ascendente) y bemol (semitono descendente) al nombre de la nota. Si, de alterada, vuelve ésta a su posición natural, se llama becuadro a la alteración.

Redonda, negra y blanca.

Corchea, semicorchea, fusa y semifusa.



FUENTES:


sábado, 16 de marzo de 2013

Tema : La Música


Definición de la música

La música es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar, sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. Puede decirse que la música es el arte que consiste en dotar a los sonidos y los silencios de una cierta organización. El resultado de este orden resulta lógico, coherente y agradable al oído.
Lo que hace un músico, ya sea profesional, aficionado o hasta improvisado, es tratar de generar alguna sensación en el oyente. La creación musical estimula la percepción del ser humano y puede desde entretener a la persona hasta aportarle algún tipo de información.
El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
Composición

La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los silencios

El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio que los envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:
  • La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios que se emiten. De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como "graves" y "agudos". Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante.
  • La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda por los segundos que ésta contenga. La duración de la música se representa por medio de la figura de las notas. La figura que representa la unidad es la redonda, y sirve como punto de referencia para conocer el valor del resto de las figuras. Hay que aclarar que en el lenguaje musical "valor" equivale a duración de un sonido.
  •  La intensidad en música es la cualidad que diferencia un sonido suave de un sonido fuerte. Depende de la fuerza con la que el cuerpo sonoro sea ejecutado y de la distancia del receptor de la fuente sonora.
  • El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad.

Elementos de la música

La organización coherente de los sonidos y los silencios, nos da los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra
La melodía es un conjunto de sonidos que suenan sucesivamente uno después de otro, y que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafonía podría ser considerada una melodía o no.
Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denominan contrapunto.

La armonía, En música, es la disciplina que estudia la percepción del sonido en forma vertical, en forma de acordes y la relación que se establece con los de su entorno próximo.
La métrica, en música es la estructura subyacente que se basa en la aparición periódica, normalmente a intervalos regulares, de sonidos u otros elementos acentuados.
El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos.


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